багетная мастерская

ИЗМЕНЕНИЕ  РЕЖИМА  РАБОТЫ

ПЯТНИЦА  —  ДО  17  (БЫЛО  ДО  18)

СУББОТА  —  ДО  16  (БЫЛО  ДО  17)

Подробнее

8(495)517-59-33    

Бизнес-квартал Парк Мира (схема)
 

Поисковый запрос должен быть не менее 4-х символов


История живописи

Пещерная живопись

История живописи началась тогда, когда человек впервые что-то изобразил на первой попавшейся ему поверхности при помощи краски.

Живопись возникла в эпоху позднего палеолита (40—8 тыс. лет назад). Сохранились наскальные росписи (в пещерах Фон-де-Гом в Южной Франции, Альтамира в Северной Испании и др.), исполненные земляными красками (красными, желтыми и коричневыми охрами, умброй), черной сажей и древесным углем с помощью расщепленных палочек, кусочков меха и просто пальцев; создавались правдивые, выразительные, динамичные изображения отдельных животных, а затем и охотничьих сцен. В живописи палеолита встречаются как линейно-силуэтные изображения, так и несложная моделировка, но композиционное начало в ней еще слабо выражено.

Более развитые, более абстрактно-обобщенные представления о мире отразились в отвлеченно-ритмизированной живописи неолита (росписи в Вальторте, Испания); в неолитических изображениях, сознательно связываемых в повествовательные циклы, появляется человек.

Древняя живопись

Живопись рабовладельческого общества обладала уже развитой образной системой, богатыми техническими средствами; краски (земляные — желтые, красные и коричневые; минеральные — синие и голубые) наносились ровным слоем на белый грунт; появились связующие (альбумин, казеин, глютин, гуммисмолы), волосяные кисти.

В восточных деспотиях (Древнем Египте и др. государствах), в древней Америке существовала монументальная живопись (роспись гробниц, реже — зданий), связанная обычно с заупокойным культом и носившая развернуто-повествовательный характер; главное место занимало обобщенное и нередко схематичное изображение человека. В присущей этой живописи строгой канонизации изображений, в особенностях композиции, соотношении фигур отражалась господствовавшая в рабовладельческом обществе жесткая иерархия.

Древняя живопись обладала также декоративными качествами, своей плоскостностью эта живопись подчеркивала гладь стены. Особенно высокого совершенства достигла роспись древнеегипетских гробниц (картины загробной жизни, включающие бытовые и батальные сцены, анималистические изображения) с ее музыкальной ритмичностью и четкостью композиции, изысканностью линий.

Античная живопись

В античности живопись по-прежнему выступает в синтезе с архитектурой и скульптурой, служит вместе с ними не только культовым, но и светским целям; происходит (особенно в Древней Греции) осознание общественной (в том числе нравственно-воспитательной) значимости живописи, как и всего искусства в целом. Постепенно раскрываются новые, специфические возможности живописи, дающей более широкое по тематике отображение действительности, чем скульптура, стремящейся к чувственно-полнокровному воплощению мира.

Для античной живописи, с ее пластической ясностью форм, характерны то плоскостные контурные изображения, то объемные, а также широкое, свободное письмо, жизненно-точное изображение предметов и отчасти пространства; палитра красок по мере развития живописи расширялась и обогащалась; возникла тональная живопись, существовавшая одновременно с живописью локальным цветом. В античности зарождаются принципы светотени, своеобразные варианты линейной и воздушной перспективы.

Наряду с мифологическими создавались бытовые и исторические сцены, пейзажи, портреты, натюрморты. Украшавшая храмы, жилища, гробницы, монументально-декоративная живопись (фрески и мозаики, сохранившиеся в Помпеях, Геркулануме, Пестуме, Казанлыке, Северном Причерноморье) в результате длительного развития пришла к иллюзорному изменению архитектурного пространства и архитектурных форм. Античная фреска (на многослойной штукатурке с примесью мраморной пыли в верхних слоях) имела блестящую, глянцевитую поверхность. В Древней Греции возникла почти не дошедшая до настоящего времени станковая живопись (на досках, реже — холсте), выполнявшаяся главным образом в технике энкаустики (восковая живопись; реже использовались клеевые краски и темпера), которая позволяла выразительно лепить объемы; некоторое представление об античной станковой живописи дают фаюмские портреты.

Живопись Древнего Египта

Однако шло время, и развивалось человеческое общество. Следующим этапом развития после первобытной стала древнеегипетская цивилизация, внесшая неоценимый вклад во всемирную историю живописи.

Яркой особенность живописи Древнего Египта была преданность традициям предков и соблюдение определенных художественных принципов. История живописи Древнего Египта во многом испытывала большое влияние со стороны религии. Более того, тогдашнее искусство вообще трудно отделить от религии, и большая часть сохранившихся памятников египетской живописи имели религиозное назначение. Поэтому их авторам приходилось следовать определенным устоявшимся канонам, которые происходили из ряда условностей первобытного искусства.

Примерами этого являются изображения предметов и животных, невидимых ни зрителю, ни художнику, но которые определённо могут присутствовать в данной сцене (например, рыбы и крокодилы под водой); изображение предмета с помощью схематического перечисления его частей (листва деревьев в виде множества условно расположенных листьев или оперение птиц в виде отдельных перьев); сочетание в одной и той же сцене изображений предметов, сделанных в разных ракурсах (например, птица изображалась в профиль, а хвост сверху; у фигуры человека — голова в профиль, глаз в фас, плечи и руки в фас, а ноги — в профиль).

Разумеется, наличие такой строгой системы канонов потребовало создания того, что через несколько тысяч лет назвали бы «руководством для художника». И такие письменные свидетельства обнаружились. Однако позднее соблюдение канонов сыграло консервативную, тормозящую роль, мешая развитию реалистических тенденций.

Живопись Древней Греции

Шло время, и египетская цивилизация пришла в упадок. Как все прекрасно помнят, на смену ей пришла древнегреческая, и это не могло не отразиться на истории мировой живописи.

Специфика древнегреческого искусства отчасти состоит и в том, что греки предпочитали использовать для росписи керамический изделия. Поэтому часто древнегреческую живопись называют еще вазописью.

Древние греки далеко продвинулись в направлении реалистической живописи. Открытое ими искусство светотени позволило наполнить произведения живописи невиданным доселе объемом и чувственностью, и оказало большое влияние на историю развития живописи.

Первым, кто стал использовать новую технику, был Аполлодор Афинский, за что ему было дано прозвище Тенеписец. За ним последовали другие известные живописцы, применившие этот прием: Зевкеис, Паррасий и Тиманф. Их творчество по сравнению с обычной графикой наполнено эмоциональностью, однако, несмотря на это, монументальная живопись не получила такого распространения, как вазопись.

Техника вазописи была достаточно проста: изделия из глины покрывались орнаментами и разнообразными сюжетами. Изначально использовался только черно-фигурный стиль, который представлял из себя черные изображения на красном фоне (обожженная глина). Позднее появился красно-фигурный (чернолаковый) стиль, в котором черным лаком наносился фон между росписями, а сами фигуры оставались цвета глины, на которой это все изображалось.

Все рисунки были плоскостного, графического характера. Рисунки на вазах расширяют наше представление о греческом искусстве, интерьерах, быте, костюмах людей, об особенностях видения мира.

Искусство Древнего Рима

Говоря о всемирной истории живописи, нельзя не рассказать об искусстве Древнего Рима.

Завоевательных характер римской политики привел к тому, что в древнеримском искусстве оказались переплетены художественные традиции многих народов. Кроме того, в отличие от греков, прагматичные римляне относились более прозаически к искусству. Особенностью искусства Рима является его теснейшая связь с жизнью.

С перенесением акцента на интерьер и появления парадных комнат в римских домах и виллах на основе греческой традиции развивается система высокохудожественных росписей. Помпейские росписи знакомят с основными чертами античной фрески. Римляне применяли роспись также для украшения фасадов, используя их как вывески торговых помещений или ремесленных мастерских. В истории живописи Помпейские росписи принято делить на 4 группы, условно называемыми стилями. Первый стиль, инкрустационный, распространенный во 2в. до н. э. Имитирует облицовку стен квадратами разноцветного мрамора или яшмы.

С 80-х годов 1в. до н. э. применялся второй стиль – архитектурно-перспективный. Стены оставались гладкими и расчленялись живописно – иллюзорно исполненными колоннами, пилястрами, карнизами, и портиками. Интерьер приобретал парадность благодаря тому, что между колоннами часто размещалась большая многофигурная композиция, реалистически воспроизводившая сюжеты на мифологические темы, из произведений знаменитых греческих художников. Тяготение к природе, присущее римлянам, побуждало их иллюзорно воспроизводить на сценах с помощью линейной и воздушной перспектив пейзажи и тем самым как бы расширить внутреннее пространство помещения.

Третий стиль, оритезирующий, характерен для эпохи империи. В противоположность пышности второго стиля, третий стиль отличается строгостью, изяществом и чувством меры. Уравновешенные композиции, линейный орнамент, на ярком фоне, подчёркивают плоскость стены. Иногда выделяется центральное поле стены, где воспроизводятся картины какого-нибудь знаменитого древнего мастера.

Четвёртый декоративный стиль распространяется в середине 1-ого в. н.э. Пышностью и декоративностью пространственно-архитектурного решения он продолжает традицию второго стиля. Вместе с тем богатство орнаментальных мотивов напоминает росписи третьего стиля.

Живопись средних веков

В средние века в живописи Западной Европы, Византии, Руси, Кавказа, Балкан, развивавшейся преимущественно в русле церковной христианской идеологии, создавались религиозно-аскетические образы, полные духовной экспрессии. Несмотря на строгую канонизацию изображений, в средневековой живописи находили отзвук народные представления (например, на Руси в иконах и фресках Феофана Грека, Андрея Рублева, Дионисия), отдельные (часто наивные) наблюдения.

Основные виды живописи — фреска (как по сухой, так и по влажной, часто шероховатой штукатурке, наносившейся на каменную или кирпичную кладку), иконопись (иконы исполнялись на грунтованных досках преимущественно яичной темперой, обусловливавшей главным образом плоскостную трактовку форм), а также миниатюра в рукописях (на грунтованных пергаменте или бумаге; исполнялась темперой, акварелью, гуашью, клеевыми и др. красками); последовательность исполнения, тип изображения, композиция, раскраска — все это регламентировалось.

Делавшиеся с тщательностью, присущей ремесленному труду, иконы, настенные росписи (подчинявшиеся архитектурным членениям и плоскости стены), а также мозаики, витражи вместе с архитектурой образовывали в церковных интерьерах единый ансамбль.

Повышенная эмоциональность и декоративность средневековой живописи обусловлены экспрессией звучного, насыщенного цвета и акцентированно-ритмичной линии, выразительностью четких контуров; формы в средневековой живописи плоскостные, стилизованные, фон отвлеченный, часто золотой; встречаются также условные приемы моделировки объемов, как бы выступающих на живописной плоскости, лишенной глубины.

Значительную роль играла символика композиции и цвета (например, в западноевропейской  живописи голубой — цвет богоматери).

В первом тысячелетии нашей эры высокий подъем пережила монументальная живопись (клеевыми красками по белой гипсовой или известковой прогрунтовке на глинисто-соломистом грунте) в странах Передней и Средней Азии, в Индии, Китае, на Цейлоне.

В феодальную эпоху в Месопотамии, Иране, Индии, Средней Азии, Азербайджане, Турции развивалось искусство декоративно-плоскостной миниатюры, привлекающей как тонкой красочностью, изяществом орнаментального ритма, так и яркостью отдельных жизненных наблюдений.

Глубокой поэтичностью, поразительной зоркостью видения людей и природы, лаконичностью оттачивавшейся веками живописной манеры, тончайшей тональной передачей воздушной перспективы выделялась дальневосточная живопись тушью, акварелью и гуашью на свитках из шелка и бумаги — в Китае, Корее, Японии.

Искусство Киевской Руси

Как и все прочие государства Европы, ко второй половине XI столетия Русь пережила период национальной раздробленности, и именно тогда русское искусство приобрело свои неповторимые, характерные черты. Искусство Киевской Руси находилось на достаточно высоком уровне, однако его трудно назвать самобытным, поскольку, приняв крещение в X столетии, князь Владимир заодно позаимствовал и художественные традиции Византии, которые причудливо переплелись с языческими художественными принципами. Конечно, восточные славяне обладали высокоразвитой культурой, а потому византийские традиции достаточно быстро видоизменялись в соответствии с исконными русскими.

Собственно русское искусство развилось из византийско-русского искусства Киевской Руси. Далее оно развивалось как искусство отдельных княжеств, отделившихся от галицко-волынских, ростово-суздальских и новгородских земель. К XII столетию русское искусство можно считать сложившимся окончательно. Увы, но развитие русской живописи сильно затормозилось из-за тяжелого татарского ига, продлившегося более трехсот лет.

Новый подъем в истории русской живописи начался в XV столетии, когда большинство земель объединилось вокруг Москвы. Этот век часто называют золотым веком древнерусского искусства. В это время были созданы произведения, которые стали классическими образцами московской школы. Развитие русской культуры происходило по пути, общему для стран Европы. Как на Западе, так и на Востоке живопись являлась, прежде всего, церковной, поэтому в первую очередь это иконопись и монументальная живопись – фрески.

Русская иконопись унаследована приемы византийских мастеров. В то же время на Руси зародились свои традиции. Русские иконы не были простой имитацией, но имели свой собственный стиль, а такие мастеры как Андрей Рублёв подняли уровень иконописи на новые высоты.

Живопись эпохи Возрождения (Ренессанс)

В Западной Европе в эпоху Возрождения утверждаются принципы нового, базирующегося на антифеодальном мировоззрении, жизнелюбивого гуманистического искусства, вновь открывающего и пытливо познающего земной, материальный мир, проникнутого духом раннебуржуазного антропоцентризма; в силу этого возрастает роль живописи, вырабатывающей систему средств реалистического изображения действительности.

Отдельные достижения живописи Возрождения были предвосхищены в XIV веке итальянским живописцем Джотто. Научное изучение перспективы, оптики и анатомии, использование усовершенствованной Я. ван Эйком (Нидерланды) техники масляной живописи способствовали широкому раскрытию заложенных в природе живописных возможностей; в живописи убедительно воспроизводятся объемные формы (с помощью светотеневой моделировки) в единстве с глубоким пространством (разворачивающимся за зрительно уничтожаемой живописной плоскостью) и световой средой, осваивается цветовое богатство мира.

Новый расцвет пережила фреска, иногда зрительно расширяющая интерьер дворца или церкви, но важное значение приобрела и станковая картина, еще сохранявшая, однако, декоративное единство с окружающей предметной средой. Ощущение гармонии мироздания, увлечение свежестью отдельных ярких жизненных деталей, интерес к реальной личности, духовная активность образов характерны для композиций на религиозные и мифологические темы, портретов, бытовых и исторических сцен, изображений обнаженной натуры.

Темперу вытеснила сначала комбинированная техника (лессировка и проработка деталей маслом по темперному подмалевку), а затем и технически совершенная многослойная масляно-лаковая живопись без темперы. Наряду с гладкой, детализирующей живописью на досках с белым грунтом (характерной для художников нидерландской школы) венецианская школа живописи вырабатывает приемы свободной, широкой, пастозной живописи на холстах с цветными грунтами. Одновременно с живописью локальным, часто ярким цветом, с четким рисунком развивалась и тональная живопись (в венецианской школе, тонко и разнообразно выявившей богатство колористических возможностей живописи).

Знаменитые живописцы Возрождения: Мазаччо, Пьеро делла Франческа, Мантенья, Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне, Тициан, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто в Италии, Я. ван Эйк, П. Брейгель в Нидерландах, А. Дюрер, Х. Хольбейн Младший, М. Нитхардт (Грюневальд) в Германии.

Становление национальных школ живописи

В XVII—XVIII веках процесс развития европейской живописи усложняется. Складываются национальные школы во Франции (Ж. Латур, Ф. Шампень, Н. Пуссен, А. Ватто, Ж. Б. Шарден, О. Фрагонар, Ж. Л. Давид), в Италии (М. Караваджо, Д. Фетти, П. да Кортона, Дж. Б. Тьеполо, Дж. М. Креспи, Ф. Гварди), Испании (Эль Греко, Д. Веласкес, Ф. Сурбаран, Б. Э. Мурильо, Ф. Гойя), Фландрии (П. П. Рубенс, Я. Иорданс, А. ван Дейк, Ф. Снейдерс), Голландии (Ф. Хале, Рембрандт, Я. Вермер, Я. ван Рейсдал, Г. Терборх, К. Фабрициус), Англии (Т. Гейнсборо, У. Хогарт), России (Ф. С. Рокотов, Д. Г. Левицкий, В. Л. Боровиковский). Происходит интенсивная борьба течений, прогрессивных и реакционных идей, передовых направлений против академизма, сосуществуют разные стилевые системы живописи провозглашающие новые социально-гражданские идеалы, обращаются к более развернутому и точному изображению реальной жизни в ее движении и многообразии, особенно повседневного окружения человека (пейзаж, интерьер, предметы обихода); углубляется психологическая проблематика, осознается и воплощается конфликтное взаимодействие личности и мира.

Жанры живописи

В XVII веке расширилась и четко оформилась система жанров. В XVII—XVIII веках процветает монументально-декоративная живопись (особенно в стиле барокко), существующая в тесном единстве со скульптурой и архитектурой и создающая, часто с помощью иллюзионистических эффектов, интенсивно действующую на человека эмоциональную среду. В то же время возросла роль станковой живописи.

Усложнение проблематики живописи, обилие стоявших перед ней задач, классовая и сословная дифференциация мироощущения привели к формированию различных живописных систем, как обладавших общностью стилевых признаков (эмоционально насыщенная, динамичная живопись барокко, с характерной незамкнутой, спиралевидной композицией; строго уравновешенная живопись классицизма с ее культом четкого, строгого, ясного рисунка, преобладанием объемно-светотеневого начала над цветом, локальностью цвета; живопись рококо с ее игрой изысканнейших и текучих нюансов цвета, светлых и блеклых тонов), так и не укладывавшихся в какие-либо определенные стилевые рамки.

Стремясь к тончайшему воспроизведению красочности мира, световоздушной среды, многие художники совершенствовали систему тональной живописи. Все это, вызвало резкую индивидуализацию технических приемов преобладавшей в XVII-XVIII веках многослойной масляной живописи.

В то же время картины нередко выполнялись одновременно несколькими художниками, специализировавшимися по определенным изобразительным мотивам. Нарастание станковизма, усиление потребности в произведениях, рассчитанных на интимное созерцание, повлекли за собой развитие камерных, тонких и легких техник живописи — пастели, акварели, туши, различных видов портретной миниатюры.

Влияние искусства Японии и Китая и на европейскую живопись

В XIX веке новые национальные школы живописи складываются в Европе (в балканских странах) и в Америке. Расширяются связи живописи Европы и других частей света, где опыт европейской реалистической живописи, отдельные формальные достижения получают самобытное истолкование, часто на основе местных древних традиций (в Индии, Китае, Японии и др. странах); европейская живопись также испытывает влияние искусства неевропейских стран (главным образом Японии и Китая), сказывающееся в обновлении отдельных приемов декоративно-ритмической организации изобразительной плоскости.

Живопись романтизма

В XIX веке живопись шире и глубже других видов изобразительного искусства решает сложные и актуальные мировоззренческие проблемы, играет активную роль в общественной жизни, будучи часто связанной с социальными и национально-освободительными движениями; важное значение в живописи XIX века приобрела острая критика социальной действительности. В то же время на протяжении всего XIX века в живописи официально культивировались далекие от жизни академические каноны, отвлеченная идеализация образов, возникли натуралистические тенденции, игнорировавшие специфичность, самостоятельную экспрессию выразительных средств живописи. В борьбе с этими тенденциями, с рационалистичностью и отвлеченностью официальной салонно-академической живописи складывается живопись романтизма с ее эмоциональным накалом, активным интересом к драматическим событиям истории и современности, показом сильных человеческих страстей, энергией живописного языка, динамикой построений, контрастностью света и тени, насыщенностью колорита (Т. Жерико, Э. Делакруа во Франции; во многом О.А. Кипренский, Сильвестр Щедрин, К.П. Брюллов, А.А. Иванов в России).

Реалистическая живопись

Отказываясь от классических идеалов гармонического совершенства, приходит к более полному, конкретно-достоверному, часто повышенно-наглядному изображению жизни реалистической живописи, основывающейся на непосредственном наблюдении характерных явлений действительности: Г. Курбе, Ж. Ф. Милле, О. Домье, К. Коро, мастера барбизонской школы во Франции; Дж. Констебл в Англии; А. Менцель, В. Лейбль в Германии; А.Г. Венецианов, П.А. Федотов в России.

Живопись демократического реализма широко показывает быт и труд народа, его борьбу за свои права, обращается к важнейшим событиям истории, создает яркие, психологически-углубленные образы простых людей и передовых общественных деятелей; во многих странах возникают школы национального реалистического пейзажа. Особой социально-критической остротой отличается тесно связанная с буржуазно-демократическим этапом русского революционного движения живопись передвижников и близких к ним художников — В.Г. Перова, И.Н. Крамского, И.Е. Репина, В.И. Сурикова, В.В. Верещагина, И.И. Левитана.

Импрессионизм

К живому воплощению окружающего мира в его естественности и непосредственности, постоянной изменчивости приходит в начале 1870-х годов импрессионизм (живопись К. Моне, О. Ренуара, К. Писсарро, А. Сислея, отчасти Э. Мане и Э. Дега во Франции), преодолев господствовавшую в живописи тех лет условность, черноту колорита, обновив технику и приемы организации живописной поверхности, выявив красоту чистого цвета, трепетной живописности, фактурных эффектов.

В XIX веке в Европе господствует станковая живопись маслом, в декоративном отношении еще меньше, чем прежде, связанная с предметной средой. Техника масляной живописи приобретает во многих случаях ярко индивидуальный, свободный характер, но постепенно утрачивает присущие ей раньше тщательность, строгую систематичность, многослойность; снижается прочность произведений живописи (чему способствовало и распространение новых красок фабричного производства взамен употреблявшихся ранее красок ручного приготовления); палитра расширяется (создаются новые пигменты и связующие); вместо темных цветных грунтов, характерных для XVIII века, еще в начале XIX века вновь внедряются белые грунты.

Как и другие виды монументального искусства (архитектура, скульптура), монументально-декоративная живопись, использовавшая в XIX веке почти исключительно клеевые или масляные краски, приходит в это время в упадок. Лишь в конце XIX — начале XX веков делаются попытки возрождения монументальной живописи и слияния различных видов живописи с произведениями декоративно-прикладного искусства и архитектурой в единый ансамбль (главным образом в искусстве «модерна»); обновляются и технические средства монументально-декоративной живописи, разрабатывается техника силикатной живописи.

В конце XIX—XX веков во всем мире развитие живописи становится особенно сложным и противоречивым; одновременно сосуществуют и борются реалистические и модернистические течения. Оплодотворенная идеалами Великой Октябрьской революции, вооруженная методом социалистического реализма, интенсивно развивается живопись в СССР. Возникают новые школы живописи в странах Азии и Африки, Австралии, Латинской Америки.

Реалистическая живопись в конце XIX—XX веков своими демократическими тенденциями, тесной связью с жизнью следует лучшим традициям живописи предшествующих эпох. В то же время ее отличает стремление познать и показать мир во всей его противоречивости, сущность происходящих в социальной действительности глубинных процессов, внутренний смысл жизненных явлений, не имеющих порой достаточно наглядного облика; поэтому отражение и истолкование многих явлений реальности обретает нередко обостренно-субъективный, обобщенно-символический характер.

Живопись XX века

Живопись в XX веке, наряду с чувственно-достоверным, иллюзорным, объемно-пространственным способом изображения широко использует новые (а также и восходящие к древности) условные принципы трактовки зримого мира. Уже в живописи постимпрессионизма (П. Сезанн, В. ван Гог, П. Гоген, А. Тулуз-Лотрек) и отчасти в живописи «модерна» зарождаются черты, определившие особенности некоторых течений XX века (активное выражение сугубо личного отношения художника к миру, эмоционально-психологическая сила и ассоциативность цвета, мало связанного с наблюдаемыми в жизни красочными отношениями, утрированные формы, декоративность).

В первом течении, возникшем в XX веке, — в фовизме — характер образа, броскость ярких цветовых контрастов отчетливо диктуются прежде всего субъективной волей художника, интенсивно переживающего действительность. По-новому осмысляется мир в искусстве великих русских живописцев конца XIX — начала XX веков — в социально-насыщенных, образно-заостренных картинах В.А. Серова, напряженно-драматических произведениях М.А. Врубеля.

В XX веке действительность осознается и претворяется в разных аспектах в живописи крупнейших художников: П. Пикассо, А. Матисса, Ф. Леже, А. Марке во Франции; Д. Риверы, Х. К. Ороско, Д. Сикейроса в Мексике; Р. Гуттузо в Италии; Дж. Беллоуза, Р. Кента в США. Во многих их картинах, настенных росписях нашло повышенно-эмоциональное выражение правдивое осмысление трагических противоречий действительности, переходящее в обличение уродств капиталистического строя; живопись передовых художников пропагандирует прогрессивные политические идеи современности, с особой широтой, эпичностью и экспрессией воссоздавая исторические и современные события; в ней воплотились также жизнерадостно-оптимистическое восприятие мира, увлечение его материальностью.

С эстетическим осмыслением новой, «технической» эры связано не только отражение пафоса индустриализации жизни, не только проникновение в живопись геометричных, «машинных» форм, к которым нередко сводятся формы органические, но и поиски в живописи отвечающих мироощущению современного человека, его духовным потребностям эмоционально-образных цветовых решений, новых форм, которые могут быть использованы в декоративном искусстве, архитектуре и промышленности.

Модернизм

Широкое распространение в живописи с начала XX века получили различные модернистические течения (модернизм), отражающие общий кризис культуры буржуазного общества, в той или иной степени порывающие живую связь с реальностью; однако и в модернистической живописи порой находят косвенное отражение «больные» проблемы современности, безудержный дух протеста (например, в живописи экспрессионизма с ее драматической неистовостью, кризисными настроениями).

В живописи многих модернистических течений (кубизм, футуризм, сюрреализм) отдельные более или менее легко узнаваемые элементы зримого мира фрагментируются или геометризируются, предстают в неожиданных, иногда алогичных сочетаниях, порождающих множество ассоциаций, сливаются порой с чисто абстрактными формами. Дальнейшая эволюция многих из этих течений уже в 1910-х годах привела к полному отказу от изобразительности, к появлению абстрактной живописи (абстрактное искусство), что ознаменовало распад живописи как средства отражения и познания действительности; абстрактная живописи вплоть до 1960-х годов была широко распространена в искусстве главным образом капиталистических стран. С середины 1960-х годов в странах Западной Европы и Америки живопись порой становится одним из элементов «поп-арта».

Монументально-декоративная живопись

В XX веке возрастает роль монументально-декоративной живописи, как изобразительной (например, революционно-демократическая монументальная живопись в Мексике), стремящейся в первую очередь вовлечь массового зрителя в круг воплощаемых ею идей, таки неизобразительной, обычно плоскостной, отвлеченно-орнаментальной, гармонирующей с геометризованными формами современной архитектуры. В то же время станковая живопись по-прежнему играет главную роль, хотя усиление декоративности элементов художественной формы нередко делает станковую картину частью общего архитектурно-художественного ансамбля.

В XX веке растет интерес к исканиям в области техники живописи (в т. ч. восковой и темперной; для монументальной живописи изобретаются новые краски — пироксилиновые в Мексике, силиконовые, на кремнийорганических смолах в СССР), однако по-прежнему преобладает масляная живопись.

Картины Брейгеля